Après avoir signé les films les plus novateurs dans les genres les plus divers de la Nouvelle Vague du cinéma hongkongais, Ann Hui est devenue, la maturité aidant, une réalisatrice d’une grande sensibilité qui, tout en restant à l’écart du mainstream commercial, sait allier ses exigences esthétiques aux contraintes du marché.

Elle a peu à peu peaufiné son style en abordant des genres d’une infinie variété, traités alternativement sur un mode humoristique ou dramatique, et su approfondir les thèmes qui lui sont propres, en partant des problèmes de l’immigration : problèmes familiaux et sociaux, vus sous l’angle des défavorisés et marginaux dans une société plus conservatrice qu’il n’y paraît, et tout particulièrement des femmes.

Etudes à Londres et débuts à la télévision

Ann Hui, en 2011 à Venise

Social Worker – Ah Sze

Ces premières réalisations révèlent une profonde implication dans les problèmes sociaux de Hong Kong. « Social Worker – Ah Sze » décrit les difficultés rencontrées par une femme qui émigre illégalement de Chine continentale à Macau où elle est vendue dans un réseau de prostitution avant d’arriver à gagner à Hong Kong, mais pour y continuer la même existence sans espoir, sous le contrôle d’une triade. « Social Worker – Boy » est une autre histoire désespérée, d’une famille dont la mère prend le risque de simuler un accident pour tenter de se faire payer des dommages et intérêts.

3. En 1978, la réalisatrice entre à la Radio-Télévision de Hong Kong, (RTHK 香港电台), où elle réalise trois épisodes de la série « Below the Lion Rock » (《狮子山下》) [1] : « The Boy from Vietnam » (《越南来客》), « The Bridge » (《桥》), et « The Road » (《路》). Ces films annoncent les principales thématiques de son œuvre à venir : problèmes de société et problèmes identitaires des immigrés à Hong Kong, devenant par la suite recherche identitaire au sens large, avec une attention particulière accordée au sort malheureux des femmes.

The Boy from Vietnam

Satire des croyances populaires

En 1979, Ann Hui abandonne la télévision et se tourne vers le cinéma, avec un premier long métrage, « The Secret » (《疯劫》), suivi d’un second l’année suivante, « The Spooky Bunch » (《小姐撞到鬼》), tous deux conçus sur le même sujet :  les croyances populaires dans le surnaturel et les esprits.

1. Le premier est une sorte de film de série noire, avec une personne assassinée qui n’est pas celle que l’on pensait, et une narration complexe, dont une scène de lecture de lettres de la pseudo-victime en voice-over, mêlant passé et présent et brouillant les perspectives.

2. Le second, dont le titre chinois signifie ‘la petite troupe se heurte à des fantômes’,  reflète les croyances chinoises traditionnelles aux fantômes et esprits malveillants, mais traité sur un mode humoristique. Dans « The Secret », les esprits étaient imaginaires, ici ils sont réels, et apparaissent même en plein jour. L’histoire est celle d’une troupe d’opéra cantonais invitée dans une petite île où les acteurs vont se trouver confrontés aux fantômes de soldats morts pour avoir ingurgité des médicaments trafiqués par les grands-pères de deux membres de la troupe, et qui cherchent à se venger.

Là encore, Ann Hui innove sur le plan narratif, en adoptant un ton de comédie légèrement carnavalesque qui mêle confusément  hommes et esprits, comme pour se moquer des superstitions populaires.  « The Spooky Bunch » est un film inventif qui ouvrait la voie à une nouvelle phase dans l’œuvre de la réalisatrice.

La trilogie du Vietnam

The Secret

The Spooky Bunch

1. « Story of Woo Viet » (《胡越的故事》), avec Chow Yun-fat et Cora Miao dans les rôles principaux, est l’un des premiers « drames politiques » réalisés à Hong Kong.

Woo Viet veut quitter son pays, le Vietnam, pour aller aux Etats-Unis. Mais il doit d’abord passer par Hong Kong où il échoue dans un camp de réfugiés ; ayant tenté de comprendre pourquoi certains disparaissent, il doit s’enfuir avec un faux passeport. Il fait la connaissance d’une femme qui voyage avec lui, mais, lors de leur escale aux Philippines, comme celle-ci risque d’être prise dans un réseau de prostitution. Woo Viet reste pour tenter de la sauver et doit devenir tueur à gages…

La fin est sombre et n’offre pas de solution à l’errance de Woo Viet. Le film poursuit la peinture sans espoir du sort des émigrés commencée avec « The Boy from Vietnam » : l’avenir semble sans issue pour eux.

Story of Woo Viet

2. « Boat People » (《投奔怒海》) raconte le destin terrifiant du peuple vietnamien après la prise du pouvoir par les Communistes, à la suite de la chute de Saigon.

L’histoire est contée par un photojournaliste japonais qui est invité à faire un reportage sur la vie au Vietnam après la guerre. Derrière les images idylliques qui sont mises en scène pour lui, et les étrangers, il découvre peu à peu les horreurs du quotidien : il rencontre une mère qui se prostitue en secret pour élever ses enfants et d’autres jeunes dont la vie est précaire. Les conditions de vie sont atroces, les gens traités comme du bétail, la mère, dénoncée comme prostituée, se suicide, le journaliste périt en aidant ses deux enfants à fuir le pays, mais eux sont sauvés…

Derrière le Vietnam communiste se profile la Chine communiste, d’autant plus que le film a été tourné sur l’île de Hainan : Ann Hui a obtenu l’autorisation de tourner là juste après la fin de la guerre. « Boat People » est le premier film

Boat People

La nouvelle a fasciné la réalisatrice qui s’est sentie, selon ses propres dires, vibrer à sa lecture et en parfaite symbiose avec elle : « J’étais stupéfaite. Comment un écrivain pouvait-il écrire sur Hong Kong avec exactement les mêmes sentiments que les miens à l’égard de la ville ? Il y avait là une résonance très spéciale. » [3] L’adaptation qu’elle en a faite est donc parfaitement fidèle à l’original, au point d’en préserver des dialogues un peu trop littéraires. Mais l’œuvre annonce une réflexion et une thématique plus personnelles, mais qui ne prendra forme que dans la décennie suivante.

The Book and the Sword, le roman

(en deux volumes), édition originale

Princess Fragrance

Ann Hui en tire deux films (en mandarin), sortis en août 1987 : « The Romance of Book and Sword » (《书剑恩仇录》), basé sur la première partie du roman, et « Princess Fragrance » (《香香公主》), basé sur le personnage, apparu dans la seconde partie, de cette princesse ouighour contrainte de devenir la concubine de l’empereur Qianlong, autre exemple de femme au destin malheureux dans la filmographie de la réalisatrice.

C’est tout au plus un exercice de style dans la carrière d’Ann Hui, mais il ne faut pas négliger la thématique profonde de ces deux films : le conflit entre identité personnelle et identité nationale.

3. En 1988, elle revient à un style et une thématique plus personnels, avec une histoire d’amour sur fond de changements sociaux à Hong Kong, contée par une narratrice, du point de vue féminin : « Starry is the night » (《今夜星光灿烂》).

Il s’agit en fait de deux histoires d’amour vécues par une femme, interprétée par Brigitte Lin (林青霞), à vingt années d’intervalle : d’abord étudiante à la fin des années 1960, elle tombe amoureuse d’un professeur marié, Zhang Yingquan (张英全), qui s’enfuit en Angleterre quand elle tombe enceinte ; dans les années 1980, elle tombe amoureuse de son fils.

Le film retrace les événements sociopolitiques qui ont marqué Kong Kong pendant ces deux décennies, en commençant par les émeutes de 1967. Pendant ce temps, alter ego de la réalisatrice, l’héroïne poursuit un processus de maturation qui en fait une femme indépendante. Au début, elle rêvait de voir son amant l’emmener visiter la Grande Muraille ; à la fin, elle y va toute seule…

Starry is the Night

1. Sorti en avril 1990 et présenté au festival de Cannes en mai, dans la section Un certain regard, « Song of the Exile » (《客途秋恨》) est une œuvre en grande partie autobiographique, d’une grande sensibilité : à travers sa propre expérience d’immigrée de Chine continentale et fille d’une mère japonaise, Ann Hui dresse un tableau complexe d’identités nationales et culturelles conflictuelles, chez différentes personnes que les hasards de l’histoire et de la guerre ont forcées à l’exil. Le titre chinois donne le ton : lamentation d’automne du voyageur (ou de l’hôte) en errance.

Le film couvre trois décennies, des années 1940 à la fin des années 1960, et analyse pendant cette période l’évolution des rapports entre une jeune Chinoise de Hong Kong, étudiante en cinéma, interprétée par Maggie Cheung (张曼玉), sa mère japonaise installée à Hong Kong et son grand-père qui vit à Macau, mais qui, tous deux, rêvent de revenir chez eux. C’est

Song of the Exile

2. Le film suivant, « My American Grandson » (《上海假期》), sorti en novembre 1991, est une variation sur le même thème : la recherche identitaire chez des jeunes marqués par l’émigration et l’exil, mais traitée cette fois avec un humour chaleureux.

Sur un scénario de Wu Nien-jen/ Wu Nianzhen (吴念真), scénariste de Hou Hsiao-hsien (侯孝贤) et figure marquante de la Nouvelle Vague taiwanaise, Ann Hui brosse le portrait d’un jeune garçon que son père, jeune Chinois qui enseigne aux Etats-Unis, envoie à son propre père en Chine parce qu’il n’a pas le temps de s’en occuper. Le jeune Guming renâcle contre le peu de confort de la maison du grand-père et sème la zizanie dans son école en se rebellant contre la discipline et le manque de liberté critique laissée aux élèves. Il finit par s’enfuir, mais, recueilli par une famille de paysans, il est touché par leur gentillesse, et se réconcilie avec son grand-père… et sa culture.

My American Grandson

3. En 1991 également, « Zodiac Killers » (《极道追踪》) met en scène le sort fatal d’une jeune Chinoise tombée amoureuse d’un gangster japonais. Mais c’est une œuvre de transition, de même que « Boy and his Hero » (《少年与英雄》) en 1993.

Ann Hui revient vers Hong Kong et les sujets qu’elle traite le mieux, les femmes, la famille, le vieillissement, avec « Summer Snow » (《女人四十》), en 1995.  Le film est traité dans un style réaliste, décrivant les menues affaires de la vie quotidienne. Le personnage principal, interprété par Joséphine Siao, est une mère de famille dévouée à son mari et à son fils, qui s’occupe en plus avec bonne humeur de son beau-père veuf, atteint de la maladie d’Alzheimer.

Le film est un hommage sensible aux vertus discrètes des femmes (le titre chinois signifie : la femme à quarante ans) et préfigure « A Simple Life » (《桃姐》). Il a obtenu l’Ours d’argent au festival de Berlin en février 1995, tandis que Joséphine Siao y était couronnée de celui de la meilleure actrice, avant de glaner nombre de récompenses ailleurs, aux festivals de Hong Kong et de Créteil en particulier.

Le film suivant, « The Stuntwoman » (《阿金的故事》), en 1996, devait être un hommage au film d’action hongkongais, celui des King Hu et Chang Cheh, ainsi qu’au travail réalisé en coulisses ; mais il n’est qu’une curiosité restée dans les annales en raison de l’accident survenu en cours de tournage à l’actrice Michelle Yeoh, gravement blessée pour avoir mal calculé un saut d’un pont. La réalité avait rejoint la fiction.

4. Le film le plus intéressant de la deuxième moitié de la décennie est certainement, en 1997, « Eighteen Springs » (《半生缘》), seconde adaptation par Ann Hui d’un roman de Zhang Ailing, qui reprend le thème du sort tragique des femmes, cette fois dans la Chine des années 1930 et 1940.

Si le film est intéressant, cependant, c’est surtout pour les innovations stylistiques introduites par la réalisatrice dans cette adaptation, en particulier dans le traitement du texte, par utilisation d’un système complexe de monologue et de voice over.  

Ce procédé de voice over est à nouveau largement utilisé dans « Ordinary Heroes » (《千言万语》), l’année suivante, pour exprimer les sentiments intérieurs des personnages, détermination ou souvenirs nostalgiques. Le film est un hommage aux héros anonymes de la lutte pour les réformes sociales à Hong Kong, avec dans les deux rôles principaux Anthony Wong et Lee Kang-sheng (l’acteur fétiche de Tsai Ming-liang).

Mais, en 1997, date de la rétrocession de Hong Kong à la

Zodiac Killers

Summer Snow

Eighteen Springs

2. En 2002, « July Rhapsody » (《男人四十》), sur un scénario d’Ivy Ho (岸西), est le pendant de « Summer Snow » réalisé sept ans plus tôt ; le titre chinois signifie en effet ‘l’homme à quarante ans’. Le film conte l’histoire caractéristique d’un professeur, interprété par Jacky Cheung ; en pleine crise de la quarantaine, il se laisse séduire par une étudiante tandis que son mariage va à vau-l’eau. C’était la dernière apparition d’Anita Mui au cinéma, avant son décès d’un cancer cervical, en 2003.

3. En 2003, « Jade Goddess of Mercy » (《玉观音》) est l’adaptation d’un roman populaire à suspense qui a aussi été adapté en série télévisée. Le film d’Ann Hui est sauvé par l’interprétation de Zhao Wei (赵薇) dans le rôle principal.

Mais il faut attendre la seconde moitié des années 2000 pour retrouver Ann Hui dans sa meilleure forme. Elle élargit alors sa thématique sur les problèmes sociaux et familiaux en l’étendant à des catégories de marginaux sociaux qu’elle n’avait pas traitées jusque là, les homosexuels en particulier. 

1. En 2006, « The Postmodern Life of My Aunt » (《姨妈的后现代生活》) est une tragi-comédie (faute de terme plus adéquat) comme on en voit peu dans le cinéma hongkongais, sur un scénario de Li Qiang (李樯), le scénariste du « Peacock » (《孔雀》) de Gu Changwei (顾长卫) en 2005.

Le film est en outre interprété par un duo exceptionnel et quelque peu inattendu : Chow Yun-fat dans le rôle d’un artiste auto-proclamé, amateur d’opéra traditionnel, et Siqin Gaowa (斯琴高娃) dans le rôle de "la tante", qui, à cinquante ans bien sonnés, vit seule à Shanghai loin de sa fille, interprétée par Zhao Wei, et à laquelle sa naïveté bon enfant réserve quelques déboires.

July Rhapsody

The Postmodern Life of my Aunt

3. Second volet de « The Way We Are », « Night and Fog » (《天水围的夜与雾》) a été le film d’ouverture du 33ème festival de Hong Kong, en mars 2009. Les deux films sont liés par leur thématique et l’endroit où ils se passent : Tin Shui Wai, au nord-ouest des Nouveaux Territoires. Tous deux sont ce qu’Ann Hui a fait de meilleur sur les problèmes des femmes dans un milieu difficile d’immigrants où les femmes sont celles qui souffrent le plus.

Le scénario de « Night and Fog » est basé sur une affaire de meurtre qui s’est réellement passée à Tin Shui Wai, en 2004. Une femme a été assassinée avec ses deux enfants par son mari après avoir alerté les services sociaux sur les violences auxquelles elle était soumise. Ann Hui a confié le rôle à une actrice nouvelle dans sa filmographie qui fait merveille dans ce film : Zhang Jingchu (张静初).

Night and Fog

1. Sorti en 2010, « All About Love » (《得闲炒饭》) est un film réjouissant sur les problèmes des lesbiennes à Hong Kong, mais pas seulement. A travers l’histoire de deux femmes qui ont vécu ensemble, se sont séparées et perdues de vue, et se retrouvent par hasard, dans un service de conseil aux femmes enceintes, la réalisatrice se livre ici avec une joie évidente à une satire de tous les préjugés qui ont cours sur des sujets rarement abordés dans le cinéma de Hong Kong : la sexualité, la maternité et les discriminations de tous ordres, dans une société finalement très conservatrice.

Traité sur un mode humoristique particulièrement réussi, le film est pétille de joie de vivre, emmené par l’interprétation hors pair de Sandra Ng, mais aussi de tous les rôles secondaires. Il a fait l’ouverture du festival d’été de Hong Kong, en juillet 2010.

All About Love

4. Sorti en Chine continentale le 1er juillet 2017 pour le 20ème anniversaire de la Rétrocession de Hong Kong à la Chine, puis le 6 à Hong Kong, « Our Time Will Come » (《明月几时有》) se situe pendant la période de l’occupation japonaise de la colonie britannique. Le film dépeint la lutte de groupes de jeunes résistants et a pour personnage principal une figure légendaire de la résistance contre les Japonais à Hong Kong, une femme surnommée Fang Gu (方姑), interprétée par Zhou Xun (周迅). La photographie est signée Yu Lik-wai (余力爲), le montage est de Mary Stephen. Outre Zhou Xun, le casting compte une pléiade de grands acteurs, dont des vétérans du cinéma de Hong Kong.
 
La première mondiale du film a eu lieu au festival de Shanghai en juin 2017. Il devait ensuite être présenté au festival de Cannes, mais, au dernier moment, le film a été remplacé par « The Chinese Widow » du réalisateur danois Bille August qui

Our Time Will Come

5. En 2020, pour « Love After Love » (《第一炉香》), Ann Hui est revenue vers les sources littéraires qui lui ont inspiré « Love in a Fallen City » (《倾城之恋》) en 1984 et « Eighteen Springs » (《半生缘》) en 1997. Comme pour compléter une trilogie, le film est adapté du premier des deux « Brûle-parfums » qui fait partie de la série de nouvelles publiées par Zhang Ailing en 1943, comme « Love in a Fallen City ». Avec l’écrivaine Wang Anyi (王安忆) pour le scénario [5], Christopher Doyle pour la photographie et Mary Stephen pour le montage, Ann Hui s’est constitué une superbe équipe.

« Love After Love » a été présenté hors compétition à la 77^ème édition de la Biennale de Venise, début septembre 2020, tandis que la réalisatrice était couronnée d’un Lion d’or pour l’ensemble de sa carrière.

Comme pour clore une longue histoire, et au seuil d’une nouvelle, Ann Hui avait entretemps  participé à un film sorti avec beaucoup de retard en 2020 : « Septet, the Story of Hong Kong » (《七人乐队》). Comme l’indique le titre, le film fait appel à sept cinéastes emblématiques du cinéma hongkongais pour retracer, chacun à sa manière, l’histoire de Hong Kong et de son cinéma, sur sept décennies [6]. Lancé par Johnnie To, le projet comptait au départ huit réalisateurs, réduit à sept après l’abandon de John Woo. On pouvait craindre un manque de cohérence, trois impératifs de départ ont donc été posés pour l’éviter : tourner en pellicule, partir d’un souvenir d’enfance et exprimer sa vision personnelle de la ville. Le génie de chacun a fait le reste, les souvenirs se répondant, en écho.

Ann Hui offre une histoire pleine de sensibilité et de subtilité centrée sur un directeur d’école, une institutrice et une classe d’enfants turbulents. Au-delà du thème du système

Love After Love

Septet